大提琴，無疑是最適合用來獨奏的樂器了。

學習大提琴、或是喜愛大提琴音樂的人，幾乎都有聽過巴哈(J.S Bach)所作的《無伴奏大提琴組曲》這套作品。但是從二十世紀大提琴大師卡薩爾斯(Pablo Casals)錄制了全世界第一張完整錄音之后，累計到現在已有上百種版本錄音。而許多大提琴大師畢生也錄制了不只一次的版本，像是米夏．麥斯基(Mischa Maisky)錄了兩次、馬友友(Yo-Yo Ma)錄了三次，而史塔克(Janos Starker)更是錄了五次！

在開始聆聽這套作品的錄音之前，我們先來簡單了解一下，為什么這套作品讓許多大提琴家趨之若鶩，又讓許多樂迷沉醉不能自拔。

這套作品約創作于1717~1723年間，我們俗稱巴哈的「科登(C?then)時期」。巴哈在這時期得以安心地創作許多器樂作品，許多有名的作品如《十二平均律》、《布蘭登堡協奏曲》、《無伴奏小提琴奏鳴曲與組曲》，以及今天我們要談的《無伴奏大提琴組曲》。

由于這套《無伴奏大提琴組曲》的原始手稿已經亡佚，世上僅存的是巴哈第二任妻子安娜．瑪格達蓮娜(Anna Magdalena Bach)的手抄版，因此這個版本有些許部分存在著爭論，并且幾乎沒有音樂強度標示、速度標示，連圓滑線與樂句劃分都有不同看法。也因此，要能夠在沒有太多明確標示的樂譜上得到任何演繹的線索，就取決于演奏家的功力深淺、藝術涵養了。

流傳下來的手抄稿，充滿許多疑問。例如6/8拍吉格舞曲中紅色框框中多出來的3/8拍小節。

這份手抄稿后來命運多舛，況且巴哈的音樂在往后的一、兩百年間被嚴重忽視，因此要等到1890年，13歲的卡薩爾斯在二手書攤發現了這份樂譜后，才有了重見天日的轉機。卡薩爾斯一發現這份樂譜，就覺得非池中之物，于是花了13年的時間鉆研、練習，終于在二次世界大戰爆發之際，冒著戰火的襲擊，錄下了世界上第一張完整版《無伴奏大提琴組曲》專輯。

這個錄音可謂石破天驚。雖然浪漫時期(約西元1820年~1900年)有所謂的「巴哈復興」，但作曲家們嫌棄這些無伴奏作品音響單調，紛紛為它編寫鋼琴伴奏；而讓世人聽到大提琴的堅韌獨奏的，還要等到這套錄音出現以后，以及卡薩爾斯帶著這套作品四處演奏之后。

在卡薩爾斯錄制第一張《無伴奏大提琴組曲》專輯之后的這100年間，錄制、演奏《無伴奏大提琴組曲》已經成為大提琴家的基本試煉，通常我們藉由他們所演奏的這些組曲來評析他們在音樂上的深度。

　　各種演奏門派與欣賞門道

好了，接下來我們要來談談，如何在這么多版本當中聽懂他們「怎么拉」、「為何這樣拉」，藉由某些分類來讓你更快知道自己喜歡的演奏方式是什么。

　　仿古派代表錄音：

Anner Bylsma：Bach：Six Cello Suites(1979年)

音樂演奏的「仿古派」，指的是回歸到演奏的音樂當時被創作出來時所流行的演奏風格。如果你聽到這個《無伴奏大提琴組曲》的錄音版本有以下特性，通常可以稱為仿古派：

平均音高低了半音：《無伴奏大提琴組曲》在音樂史上屬于巴洛克時期，當時的調音基準普遍比當代音樂，而且沒有一定準則。現代的仿古演奏基本上定調在415Hz(現代演奏則是440以上)，這樣偏低的音高演奏，給人一種平靜、沉穩與樸實的感覺。

會在樂譜的指示以外再加入裝飾音：巴洛克音樂是允許自行添加裝飾音的，如果只是照譜面上演奏，在巴洛克當時可稱不上杰出的樂手。

偏愛使用分弓拉奏：當時的音樂風格偏好利用分弓(Détaché)演奏，甚至有些分弓會拉得比較跳(Staccato)，因此可以從錄音當中聽到演奏者不斷地換弓，極少數會使用連續四個音以上的連弓(Legato)拉奏。

連弓的尾音較短：如果是相同音值(拍子長度)的兩個音作為連弓拉奏，通常第二個音會較短。這讓第一個音感覺被強調了，使得曲子的律動感更強。

偏愛用空弦：巴洛克時期不太使用抖音，因此不會為了抖音而用其他指法代替空弦，而是大喇喇地使用它們，增加殘響。

　　浪漫派代表錄音：

Mischa Maisky：Bach：Six Suites for Solo Cello(1999年)

其實巴哈的作品一般來說，結構工整，樂句條理清晰。正常來說，相同類型的樂句或音型，會用一樣的演奏方式來呈現。但是現代的演奏家會認為：

我是現代人，我認為巴哈如果活在現代，也會想用其他方式演奏。

于是這些演奏家就認為要有一套自己的想法，不能拘泥于作品的風格時期。因此在他們的錄音當中，會聽到大幅度的連弓、強調某些音符的抖音、破壞樂曲原有的律動，創造新的樂句唿吸線條。

麥斯基的這套錄音，可說是眾多版本當中最「浪漫」的一個。他將巴哈作品中的句子分得很細，每個句子的布局明確，聽者不花吹灰之力就能領略樂曲的抑揚頓挫美感(雖然這是麥斯基的唱法，不是巴哈作品原來的面貌)。

當然，浪漫派的演繹時常受到「衛道人士」的批評，認為他們完全無視于作曲家的指示以及風格演奏；但是他們也為古老的音樂注入了新的語彙，讓新世代的人得以跨越門檻而吸收他們。

經典派

這里指的經典派，是指在《無伴奏大提琴組曲》錄音史上具有重要歷史地位、最有人氣、還有最受老饕樂迷追捧的幾個版本。

1.最具有重要歷史地位：當屬史上第一張《無伴奏大提琴組曲》錄音了：

Pablo Casals：Bach：Cello Suites(1936~1939年)

雖然是黑膠唱片的音質，但是卡薩爾斯的拉奏顯得非常直接，就好像站在你面前演奏似的。由于當時錄音技術不如現代先進，因此可以聽到里面有稍微的錯誤，或是弦的音色爆裂。

無論如何，作為史上第一位重新吸收、詮釋、給予這套作品較高藝術地位的演奏家來說，他的錄音與演奏還是影響了后世名家們對于這些樂曲的思考方向。尤其是在樂譜上毫無速度指示的前提之下，如何思考音樂的流動性以及各舞曲之間風格的差異，而訂出一個理想的演奏速度，長久以來仍然考驗著許多演奏家。

2.最有人氣專輯：最有人氣的大提琴家當數馬友友了，雖然他總共錄制過三次的《無伴奏大提琴組曲》，但仍然是第一次錄音最受到普遍樂迷的喜愛：

Yo-Yo Ma：Bach：The 6 Unaccompanied Cello Suites(1983年)

這張專輯一推出，就震驚樂壇，而馬友友以30歲之姿，得到了葛萊美獎最佳器樂獨奏家獎。

馬友友具有「將復雜的音樂單純化」的能力，只要你想了解哪個大提琴樂曲，如果先找到馬友友的錄音版本聆聽，通常比你找其他版本還要快速進入狀況。也正因為這個特質，馬友友日后的各張專輯在音樂上與商業上都取得成功，甚至還有人眼紅，認為他不是「大提琴家」。

馬友友的第二次錄音結合影像作曲，這個企劃稱為「巴哈靈感」。特別的是，雖然每套作品各自與不同領域結合，但是在這套錄音當中，他使用「巴洛克音高」，因此這個版本聽起來比其他版本的音還低；而他的運弓更為輕柔，有些回到巴洛克演奏風格上，因此我認為相較于他的第一次錄音的直率，第二次錄音的整體藝術境界更高，同時揉合了他的個人思想并盡量遵循了仿古風格演奏。

不過第三次錄音，或許是太駕輕就熟，完全是個人「心之所至」，況且在清楚的錄音之下，可以聽出許多運弓都出現了雜音，讓人感到可惜。有關馬友友的三次錄音比較，將另外找時間撰文分析。

3.老饕熱愛名盤：傅尼葉(Pierre Fournier)，可說是法國大提琴的「貴族」。其優雅不做作、流暢處理樂句線條，收放自如的右手運弓，至今仍是許多大提琴演奏者的典范。他畢生錄制過四次《無伴奏大提琴組曲》，其中又以第二次錄音受到諸多樂迷老饕的喜愛：

Pierre Fournier：6 Suiten für Violoncello solo(1961年)

這個錄音，清晰到連左手手指打在指板上的聲音都聽得一清二楚，每個樂章之間的連貫性極佳。另外，著名的第一號前奏曲，使用大幅度連弓，聽起來緩慢優雅，而每個音又干干凈凈，完全沒有換指與換把位的黏膩模煳感。

傅尼葉的詮釋，影響了二十世紀后期以來大提琴家的想法。雖然其優雅音色難以模仿，正因如此，才顯得珍貴。

4.老當益壯：史塔克(Janos Starker)是個布達佩斯的猶太裔神童，然而因為這個原因使他曾經進入納粹集中營。后來他在美國印第安那大學終身任職，成為大提琴教授。畢生曾路過五次《無伴奏大提琴組曲》，最后一次則是在1997年，高齡73歲時所錄制的；而這次錄音，也使他得到葛萊美獎。

Janos Starker：Suites for Solo Cello(1997年)

專輯的開頭，有個很清楚的吸氣，彷彿史塔克在告訴自己：

這是最后一次了，也是我這一輩子的心血！

當然，他的詮釋仍屬于浪漫風格，可以明顯聽出相同一個樂句，為了不換弦造成音色差異，而選擇在同根弦上頻繁變換把位。演奏速度上絲毫不毛躁，每個動作都像是深思熟慮過后的精確。

當然，以上的分類只是粗淺為之，往往一個版本兼有著不同流派與思維，但是在這樣的分類之后，相信你對于《無伴奏大提琴組曲》錄音當中演奏者為何選擇如此詮釋，會有一個較為清楚的輪廓。

如果不思考以上復雜的風格分析，僅從每個版本當中的大提琴音色、演奏速度快慢、樂句斷句方式來選擇喜歡的版本，其實就夠讓人享受了呢！